Artistas Plásticos

* Acevedo, Juan José. (1959). Artista chileno. Acevedo, artista chileno residente en Europa, que se dedica principalmente a realizar instalaciones. El artista pretende objetivar programáticamente la experiencia de las artes visuales en su directa correspondencia con prácticas y discursos políticos, entendiendo lo político en sus más diversas percepciones, descripciones, y formas de ser, elaborables estéticamente. www.mmmmm.org.uk/pescadosllamas/index.htm

* Arbus, Diane (1923-1971). La esencia del trabajo de esta artista se basó, casi exclusivamente, en captar con su lente a aquella gente que vive en el límite de la aceptación social, aquellos/as que han sido considerados "fenómenos", seres que para esta sociedad tan normativa han sido calificados de monstruos, y cuya denominación en inglés, Freaks, nos ha llegado también a través de una vieja y perversa película en blanco y negro del director Todd Browning, que narra las vicisitudes de una pareja de enanos que vive en un circo. Sin embargo, los personajes de Arbus están en la calle o bien dentro de sus propios hogares. El adentro y el afuera de una existencia llena de marginaciones y discriminaciones terminó por seducir a la fotógrafa, que ha dicho respecto de sus fotos: "Lo que estoy intentando describir es que es imposible salirte de tu piel y meterte en la de algún otro(...) La tragedia de ese algún otro no es la misma que la tuya." Y con esa visión particular Arbus fue armando su mundo de rostros y cuerpos dolientes. Entre 1955 y 1957 Arbus estudió con Lisette Model, quien la alentó a concentrarse en fotos personales y en desarrollar ese ojo documental incisivo que Model ya había reconocido en su alumna. De allí en más Arbus se dedicó a documentar sus visiones : travestis, gemelas/os, gente de la calle y gente en sus hogares, y también a internos/as de loqueros. En casi todas sus fotos, los/as personajes aparecen mirando directamente a la cámara y están retratados crudamente, iluminados por el flash de manera directa o con otro tipo de iluminación frontal. Parecen estar dispuestos, si no deseosos, de revelarse a sí mismos ante la cámara de la artista y también revelar sus impedimentos, sus limitaciones, sus malformaciones. Al ser consultada sobre por qué elegía a esa gente, Arbus ha contestado que "Freaks fue lo que más he fotografiado. Fue una de las primeras cosas que fotografié y ha sido terriblemente motivador para mí. Simplemente, solía adorarlos. Aún adoro a algunos de ellos. Con esto no quiero decir que sean mis mejores amigos, ellos me han hecho sentir una mezcla de vergüenza, temor y asombro. Existe una especie de leyenda acerca de los/as freaks. Como esa persona que en un cuento de hadas te detiene y te exige que resuelvas un acertijo. La mayoría de la gente se pasa su vida temiendo pasar por una experiencia traumática. Los Freaks nacieron con sus traumas. Ellos ya han pasado su prueba. Son aristócratas." comienzos de los años sesenta, la fotografías de Arbus atrajeron la atención de la comunidad artística y comenzó a ser reconocida a nivel local. Recibió dos Becas Guggenheim, en 1963 y 1966, que le permitieron continuar con su trabajo. En 1967 su obra fue expuesta en la muestra "New Documents" en el Museo de Arte Moderno de New York, junto con la de otros dos fotógrafos renovadores: Gary Winogrand and Lee Friedlander. Una exhibición que recibió todo tipo de crítica laudatoria. En 1970 Arbus editó un portfolio de edición limitada que contenía solamente 10 fotos, pero para entonces ya era reconocida a nivel mundial como una de las/os pioneras/os del "nuevo" estilo documental, llegándose a comparar sus trabajos con los de August Sander, autor del libro Hombres sin máscaras, donde expresaba fotográficamente similares asuntos, pero de una manera, aparentemente, menos dura. En julio de 1971, Diane Arbus se suicidó en el Greenwich Village de New York. Y como suele suceder en estos casos, su muerte atrajo aún más la atención hacia su nombre y sus fotografías. http://es.wikipedia.org/wiki/Diane_Arbus

* Balmes, José (1927). Pintor chileno de origen catalán. Realizó sus estudios en la Escuela de Artes de la U. de Chile, entre 1944 y 1949, donde fue alumno de Pablo Burchard y Camilo Mori. Desde el año 1950 hasta 1973, fue profesor de esta institución. En 1954 viajó, becado, por la Universidad de Chile, a Europa para perfeccionar sus estudios. En 1966 Balmes fue nombrado director de la carrera de Artes Plásticas de la Escuela de Artes de la U. de Chile, y en 1972 decano de la Facultad de Artes de esta institución, cargo que desempeño hasta 1973. En el extranjero fue profesor de la Universidad de París, a partir de 1974. En la actualidad es profesor de la Escuela de Arte de la Universidad Católica de Chile. El trabajo de José Balmes es una visión testimonial y crítica de las acciones humanas, pero no común simple acto de dar cuenta de hechos, sino entendiendo la pintura como memoria. Desde la pintura figurativa evoluciona hasta la expresividad total. El rasgo característico de sus obras es el gesto, el cual se canaliza a través del color, los materiales y también la representación. Esta última se expresa en la incorporación de diversos objetos al cuadro: bolsas de plástico, hojas, papel de periódicos, etc. Todo esto refleja un cuestionamiento al soporte del cuadro, y la utilización de un lenguaje de presentación (no representativo), rasgos que vinculan la obra de Balmes al informalismo. www.mac.uchile.cl/virtual/b1

* Christo (1935). Artista conceptual húngaro, cuyo nombre completo es Christo Javacheff. Sus objetos envueltos son algunos de los ejemplos más extremos del arte conceptual moderno. Vivió en Francia entre 1958 y 1964, año en que se trasladó a Estados Unidos. Sus primeras obras eran empaquetages, en las que envolvía botellas, latas o cajas, con tela o plástico. Se hizo muy famoso por sus últimos trabajos, que consistían en empaquetar temporalmente objetos enormes o edificios enteros. Su obra de mayores dimensiones fue Running Fence (Valla continua, 1976), una franja de nailon de 5,5 metros de altura que se extendía a lo largo de 40 kilómetros a través de dos condados de California. Tanto esta obra como la anterior Valley Curtain (Cortina del valle, 1972) fueron tema de documentales realizados por los directores de cine de vanguardia Albert y David Maysles. Otras obras son las Surrounded Islands, Biscayne Bay, Florida (Islas rodeadas, 1982), once islas enmarcadas con 650.000 m2 de tejido de polipropileno, The Pont New Wrapped (El Pont Neuf empaquetado, París, 1985). En 1995 empaquetó el Reichstag, en Berlín. Recientemente realizó uno de sus sueños más preciados, envolver el Central Park de Nueva York. www.christojeanneclaude.net

* Clemente, Francesco (1952). Tras diplomarse en la escuela media superior, empieza a pintar como autodidacta y escribe y publica poesías; en 1970 se traslada a Roma para inscribirse en la facultad de arquitectura y entra en contacto con varios artistas entre los cuales cabe citar a Cy Twombly y Alighiero Boetti, que influencian los inicios de su carrera artística. En 1971 realiza su primera exposición personal en la Galería de Valle Giulia de Roma y, sucesivamente, se marcha a la India, donde abre un estudio en la ciudad de Madrás. En 1979 se acerca al movimiento de la transvanguardia, cuyo teórico es el crítico Achille Bonito Oliva, y se convierte en uno de los máximos exponentes junto a Chucchi, Chia, De Maria y Paladino, con los cuales realiza una exposición en Colonia. A partir de los años 80 obtiene un gran éxito internacional en un momento histórico en el cual los artistas reaccionan al dominante movimiento conceptual. Realiza una serie de cuadros inspirados en las estaciones del Vía crucis; también produce numerosos libros, una recopilación de fotografías de arquitectura y un grupo de miniaturas pintadas con la colaboración de artistas hindúes de Madrás. En 1981 se traslada a Nueva York, donde vive y trabaja actualmente; sus exposiciones personales en Europa y en los Estados Unidos son muy frecuentes www.artcyclopedia.com/artists/clemente_francesco.html

* Dix, Otto. (1891-1969). Pintor y grabador alemán, representante destacado del realismo social en Alemania tras la I Guerra Mundial. Horrorizado por la brutalidad de la guerra de trincheras y la utilización de armas de gas, reflejó dichos temas con una claridad sin concesiones en Guerra (1924), serie de 50 aguafuertes. Como líder del movimiento Neue Sachlichkeit (Nueva Objetividad), expresó su repulsa ante la injusticia social de la Alemania de posguerra en obras de despiadada crudeza, en las que los contornos crispados y los colores ácidos crean una sensación de realidad repelente. Algunas de sus obras fueron destruidas por los nazis. Destacan obras como Artillería (1914, Kunstmussum, Düsseldorf) y La guerra (1929-1930, Museo de Dresde). Dix - como su coetáneo George Grosz - es difícil de clasificar, aunque nos dejó una obra de una contundencia - ciertamente expresionista en su expresividad - inconfundible. Se ha subrayado - con exactitud - algunas similitudes con Grosz, pero también habrá que remarcar las diferencias: Grosz era un panfletario - en el mejor sentido del desprestigiado término -, un provocador, un sarcástico, un francotirador que dispara contra los valores más nobles de su sociedad: el buen burgués, la santa Iglesia, el industrialismo y las orgullosas razones nacionalistas; Grosz ríe con una risa desencantada y cínica - clara herencia de Dadá - y, así, muestra el pus de los puros, saca a relucir las pústulas de los decorosos burgueses apacibles, quienes, sentados en los cafés de las civilizadas metrópolis, financiaban la carnicería. Dix comporta otra actitud ante el desastre, una actitud definida por el espíritu de la tragedia. En otros términos: Dix es un humanista que se detiene ante la muerte y ante la descomposición social - e incluso corporal - con un aire absorto, entre la fascinación y el azoro. Desprovisto de ideología, no construye un panfleto contra la sociedad que posibilita la racionalizada barbarie de la guerra; por el contrario: describe, deja testimonio de ese "suceso natural" - que, sin embargo, lo atrae por su radical ferocidad - como un reportero o como un médico forense ante su material de estudio. Por eso, la obra de Dix es una radiografía de la miseria humana, más allá incluso - aunque partiendo de ahí - de los males provocados por su época. Y los males están en el frente de batalla pero también en las lujosas ciudades hedonistas. Dix no traza diferencias, homologa la condición trágica del ser humano, subraya lo irracional de esa condición, se mofa de la cultura y de la - hasta entonces - incuestionable asepsia de la modernidad. www.mess.net/galleria/dix/

* García Chibbaro, José (1949). Artista chileno. La tarea de interpretar la nutrida obra de García Chibbaro, significa acometer y considerar un extenso bagaje de tópicos que van desde las técnicas antiguas del fresco y el uso del temple hasta la fotografía y otros medios de reproductibilidad técnica contemporáneos, pasando por una serie de actividades auxiliares que coadyuvan a la ejecución y resolución ulterior de sus obras las cuales presentan importantes connotaciones sociales e histórico-culturales, permitiendo múltiples lecturas que pasan por temas rara vez o nunca tratados en la historia del arte como son el turismo, la historiografía urbana, el paisajismo, las comunicaciones, los adelantos científico-tecnológicos, los monumentos, el coleccionismo, los repertorios de antigüedades y un largo etcétera. Específicamente en el método romántico con que ha explorado sus expediciones por la historia universal (Viajes) tanto en lo pequeño como lo más grande, García ha interrogado a todas las especies de la realidad, se ha apropiado de temas enciclopédicos, ha investigado en el subconsciente y la memoria y ha dialogado durante años con las culturas occidentales y también con las exóticas. Él ha sabido mirar tanto a través del telescopio como del microscopio; ha penetrado en los sistemas orgánicos tanto como en los cosmológicos y los ha escudriñado en busca de analogías y metáforas para sus propósitos (sistema) artístico. Pese al marcado influjo posmoderno en la obra de García Chibbaro, él ha permanecido fiel al viejo método. Su imaginación, si bien por momentos es desbordada, no es nunca autoritaria y dominante. Procede habitualmente de manera mediadora, opera escépticamente, irónicamente, antitéticamente y paradójicamente. Su obra sucinta y claramente estructurada, presenta la racionalidad y la planificación de un "sistema" en su intrincada y artificiosa contradicción. www.garciachibbaro.com

* Haring, Keith (1958-1990). Pintor estadounidense, el más importante de los pintores de graffiti de los años ochenta. Desde muy pequeño Keith Haring empezó a dibujar inspirándose en los dibujos animados que veía en la televisión. El soporte pictórico que utilizaba Haring era variado y accesible (papel, fibra de vidrio, lienzo, piezas de acero esmaltado, camisetas, vasos y vaciados en escayola de obras de arte conocidas); sus fuentes son el arte esquimal, africano, maya y de los aborígenes, así como la caligrafía china, los all-over de Alechinsky, Warhol y Tobey, a partir de los cuales evolucionó hacia su estilo semiabstracto característico, una especie de new wave azteca que recuerda a Pollock y a Penck. Gruesas líneas negras bordean figuras esquemáticas en una composiciones dominadas por un horror vacui evidente que vibran con una energía irresistible y llamativa. El estilo de Haring refleja el ethos de la generación Pop y de la cultura callejera del East Villagede Manhattan. Intentó plantear las cosas de la manera más simple posible. Como Warhol, Haring abrazó la cultura demótica, es decir, una combinación de moda, arte y música, rompiendo barreras entre estas manifestaciones para darles una mayor extensión; este factor es básico para entender su éxito comercial en todo el mundo, en varios géneros, incluyendo murales, escultura, posters y pintura corporal. En 1989 creó la Fundación Keith Haring para ayudar a remediar problemas sociales. Murió víctima del sida el 16 de febrero de 1990 en Nueva York. www.haring.com

* Lam, Wifredo (1902-1982). Pintor cubano, uno de los más originales exponentes del surrealismo en Latinoamérica, creador de un nuevo lenguaje pictórico que fusiona la herencia cultural afrocubana con las últimas vanguardias europeas. Nació en Sagua la Grande, Las Villas. Comenzó sus estudios de arte en la Academia de San Alejandro en La Habana, y en 1924 viajó a España para estudiar en la Academia de San Fernando de Madrid. En 1928 realizó su primera exposición individual en la galería Vilches de esta ciudad. Tras el estallido de la Guerra Civil española (1936-1939), se trasladó a París (Francia) donde conoció al artista español Pablo Picasso, quién ejerció una fuerte influencia en sus primeras obras. A través de él entra en contacto con el mundo artístico parisiense, uniéndose al grupo de los surrealistas junto al poeta francés André Breton y al artista alemán Max Ernst. En 1940 realizó las ilustraciones del libro Fata Morgana de Bretón. En 1941 regresó a Cuba en donde comenzó a desarrollar un estilo pictórico que, aunque en estrecho contacto con el surrealismo, adoptó elementos de la cultura afrocubana que dan forma a oníricas imágenes biomórficas de una imaginación exuberante. Uno de los ejemplos más destacados de esta etapa es La jungla (1942, Museo de Arte Moderno de Nueva York). Durante la década de 1950, Lam realizó numerosos viajes a París, Nueva York e Italia y alternó su estancia entre estos lugares. Su obra fue madurando hacia un estilo más esquemático en tonos casi monocromos, en constante búsqueda de un lenguaje propio de su tierra. En la década de 1970 comenzó a realizar esculturas en bronce. También destacó en otras formas artísticas como la cerámica, el grabado y el muralismo. En este último campo destaca la obra realizada para el palacio presidencial de La Habana titulada Tercer mundo (1966). En 1976 ilustró el libro El último viaje del buque fantasma del escritor colombiano Gabriel García Márquez. Ha recibido numerosos premios y su obra se conserva en museos y colecciones públicas y privadas de todo el mundo. Murió en París en 1982 y ese mismo año se ofreció una retrospectiva de su obra en Madrid (España). http://es.wikipedia.org/wiki/Wilfredo_Lam

* Oyarzún, Alvaro (1960). Pintor chileno. Alvaro Oyarzún dispone fragmentariamente su trabajo. Variados formatos, géneros, temas y técnicas se dispersan y se adhieren directamente sobre el muro de la sala, componiendo desde la perspectiva las partes de la obra. En su proximidad se articulan pequeños relatos y cruces como micro tramas que ligan y juegan con el material extendido. El montaje de estas piezas se ha realizado in situ, se armó en la misma sala de exposición, incluyendo a la dimensión temporal y espacial como parte del trabajo. Por estas condiciones quiebra la posibilidad tradicional de ser una pintura trasladable para colgar. Oyarzún toma como operación general la experiencia del autodidacta que se pasea sin riesgo por los estilos y desde este relato ficcional construye su obra como un intento que falla en cada ejercicio estético. De ahí la imposibilidad que data el título Estuve tan Cerca de Alcanzar mi Meta y el eclecticismo que se permiten los fragmentos de dibujo, mancha, abstracción, paisaje, etc. El humor de Oyarzún consiste en asumir esta alternativa errática e ingenua, produciendo un efecto general de confusión en el receptor donde la capacidad del arte de generar sentido hoy queda ironizada por el esparcimiento y distracción de la pintura como lugar común. www.artistasplasticoschilenos.cl

* Pollock, Jackson (1912-1956). Artista estadounidense, es el miembro más destacado del expresionismo abstracto. Desarrolló la técnica de la action-painting o dripping, consistente en derramar, dejar gotear o lanzar pintura sobre lienzos sin tensar. Fue así mismo uno de los primeros artistas en eliminar de sus obras el concepto de composición y en mezclar signos caligráficos con los trazos pictóricos. A partir de la década de 1950, trabajó simultáneamente la pintura abstracta con obras figurativas o semifigurativas en blanco y negro. Murió prematuramente en un accidente de automóvil, cuando era ya un pintor de enorme influencia en las jóvenes generaciones.
www.artcyclopedia.com/artists/pollock_jackson.html

* Portinari, Cándido (1903-1962). Pintor brasileño descendiente de italianos, figura influyente dentro de la creación de un estilo indiscutiblemente brasileño. Portinari estudió en la Escuela de Bellas Artes de Río de Janeiro. Obtuvo una beca en 1928 que le permitió viajar por Europa donde descubrió la pintura al fresco. A su regreso a Brasil comenzó a observar y pintar la vida cotidiana brasileña. Su estilo armoniza la abstracción europea con los paisajes y gentes del país. Los temas regionalistas en los que basa gran parte de su producción se plasman a través de un dibujo armonioso y vivo colorido. Portinari gozó de éxito y reconocimiento durante su vida. Entre sus encargos destacan los murales para el edificio de las Naciones Unidas de Nueva York, para la Biblioteca del Congreso de Washington y para el Ministerio de Educación y Cultura en Río de Janeiro. www.portinari.org.br

* Soro, Mario (1957). Artista chileno, grabador e instalador, nació en Santiago, el 19 de diciembre de 1957. Mario Soro, fundamentalmente trabaja el grabado, pero también en instalaciones que incorporan medios audiovisuales, ha desarrollado una constante reflexión en torno a la modernidad, abordada desde un punto de vista histórico y sociológico. Ha realizado muestras individuales en galerías y museos de Chile, que se complementan con diversas perfomances y acciones de arte en espacios públicos. Estudió en el Liceo Experimental Artístico y luego en la Universidad Católica de Valparaíso, donde siguió la carrera de arquitectura entre 1977 y 1979; luego se dirigió a la Escuela de Artes en la sede capitalina de la Universidad Católica, lugar donde se licenció en 1982 con mención en grabado. Allí inició sus primeros contactos con el maestro Eduardo Vilches y los miembros de lo que hoy se conoce como Generación del '80. Soro se ha desempeñado como docente de arte, diseño y teoría, ejerciendo su labor formativa en entidades tanto públicas como privadas, desde el mismo año en que se licenció. www.portaldearte.cl/autores/msoro.htm

* Stella, Frank (1936). Pintor estadounidense. A partir de un expresionismo abstracto, pasó a un estilo esencial, constituido por bandas monocromas o de colores planos, montadas sobre bastidores irregulares (cuadrados o en forma de H o X) dentro de la abstracción geométrica, con las que preanunciaba el minimal art de los años sesenta. Autor de Protractor (1967), Polish Village Series (1970-1973), Brazilian Series (1974-1975). En los años ochenta realizó la serie Cones and pillars. En la década de los noventa mostró su obra en el MNCARS de Madrid (1994) y en las galerías neoyorkinas Leo Castelli (1995), Knoedler & Company y Sperone Westwater (1999). www.artcyclopedia.com/artists/stella_frank.html

* Tapies, Antoni (1923). Pintor y escultor catalán, nacido en Barcelona, uno de los líderes del informalismo español, cuya influencia será decisiva a nivel internacional. Tàpies inicia su trayectoria artística en el año 1945. Ese mismo año realiza su primera exposición individual. En 1951, Tàpies se desliga del grupo Dau al Set e inicia una evolución individual, optando por una línea informalista, abstracta, basada en las investigaciones sobre la materia pictórica como medio expresivo artístico, impone como valor total la materia frente a la forma. De ahí que su obra sea exponente de primer orden de la corriente matérica informalista. A lo largo de su trayectoria utiliza diversos procedimientos. En el collage mezcla elementos heterogéneos con la pasta pictórica aplicada directamente del tubo en forma de empastes gruesos y granulosos, sobre los que realiza huellas, incisiones, surcos y grietas, con los dedos y otros medios. Otras veces usa el grattage, que consiste en el rascado o rayado de superficies como cartón. El objetivo final es una pintura de relieves, orográfica, recreándose en la presentación de texturas rugosas, porosas o granulosas (matéricas en definitiva) que contrastan con superficies lisas, como se observa en su obra Blanco craquelado (1956). A partir de 1953 hace uso de la técnica denominada mixtura, consistente en la mezcla de pintura al óleo con polvo de mármol, cuya finalidad es, de nuevo, resaltar el carácter matérico de la obra, como en Negro con mancha roja (1954). En sus obras se repiten una serie de signos e imágenes que pertenecen al universo simbólico e interior del artista, con claras alusiones al universo, la vida, la muerte o la sexualidad. Entre ellos aparecen en sus composiciones figuras geométricas, más o menos difuminadas o distorsionadas, como el óvalo (Óvalo blanco, 1957), el círculo, el cuadrado (Puerta gris, hacia 1958), más tarde el triángulo (Forma triangular sobre gris, 1961), signos como la cruz, constante a lo largo de su carrera, que puede ser griega, latina, en aspa (Gran equis, 1962), en forma de T, ésta última asociada a la inicial de su apellido, números, letras, entre otros. En este sentido cabe citar Materia negra sobre saco (1960) y Cuerdas entrecruzadas sobre madera (1960). A partir de 1962 comienza una etapa en la que se produce la integración en la obra de objetos cotidianos como cuerdas, platos (Montón de platos, 1970), paja, junto a signos antropomórficos (pie, mano, dedos), como se observa en Blanco con pisadas, que denota un interés por plasmar la huella y presencia humana en sus obras, también aparecen temas y símbolos de carácter sexual (órganos sexuales masculinos y femeninos, paja, mantas, cama…) como en Paja sobre tela. Su gama cromática ha oscilado entre el monocromatismo y colorido neutro con predominio de grises, negros, blancos y ocres y la inclusión de un colorido más vivo, con rojos, naranjas, rosas, amarillos y azules. A partir de la década de 1970 su obra presenta heterogeneidad estilística y, si bien sigue cultivando el informalismo, a veces presenta una realidad objetual integrada por la presentación de elementos cotidianos, por ejemplo en Materia gris en forma de sombrero. Tàpies ha sido considerado precursor del arte povera. Desde la década de 1950 su obra ha gozado de reconocimiento internacional, reflejado en el hecho de la organización de exposiciones sobre su obra por parte de grandes museos y galerías de arte del mundo entero. En 1958 recibió el Premio Carnegie y en 1967 el de la Bienal del Grabado de Ljubljana. Son también numerosos los estudios teóricos realizados por especialistas sobre su obra. Además, ha realizado cerámicas, tapices y esculturas, entre las que cabe destacar su mosaico de la plaza de Sant Boi de Llobregat (Barcelona), sus esculturas públicas Homenaje a Picasso y Núbol i cadira (Nube y silla), ambas inauguradas en Barcelona en 1990, y su polémico Calcetín (1992), de 18 m de largo. En 1990 se inauguró en Barcelona la Fundación Tàpies, creada por iniciativa del propio artista para fomentar y difundir el conocimiento del arte contemporáneo, así como para exponer y conservar su propia obra. www.fundaciotapies.org

* Vásquez, Juan (1964). Dibujante chileno. Juan Vásquez, dueño de un trazo poderoso, crea en sus viñetas, casi ausentes de globos y cartuchos, una ciudad de Santiago con un tinte épico y futurista. Su mundo onírico está plagado de hadas y guerrero heroicos. Durante la década del 80 retrato a lápiz y pluma las protestas que se realizaban contra la dictadura militar. Uno de esos cuadernos está a punto de ser editado. www.juanvasquez.cl

* Yz, Pepe (1942). Desde 1974 hasta 1991, el artista chileno Pepe Yz residió en Nueva York. Actualmente reside en Santiago y se ha destacado por la multiplicidad de exposiciones individuales y colectivas. Una de las últimas corresponde a la exposición realizada en la Galería de Arte Cecilia Palma (2002) y la Casa del Maestro (2004). Además realizó la imagen corporativa del Programa Bibliometro. Miembro de la Asociación de Pintores y Escultores de Chile Apech. www.pepeyz.com

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